ACERCA DE LA PSICOLOGÍA DEL COLOR

La psicología del color es un campo de estudio que está dirigido a analizar el efecto del color en la percepción y la conducta humana. Desde el punto de vista estrictamente médico, todavía es una ciencia inmadura en la corriente principal…

PSICOLOGÍA POR COLORES

Sección con imágenes de cada color donde puedes saber, o descubrir por ti mismo las sensaciones que inspira cada color, desde la alegría a la pesadumbre, la amistad o la codicia, serenidad o nerviosismo, frío o calidez, todo tiene cabida cuando se trata…

COLORES PSICOLÓGICOS

Psicología de los colores primarios

Amarillo: Es considerado como un tono alegre y cálido. Sin embargo, también propicia el cansancio de la vista y hace llorar a los bebés.

Rojo: Atrae rápidamente la atención, evoca emociones fuertes e incrementa el apetito; también se asocia con la pasión, la intensidad y el amor. No obstante, estudios demuestran que el rojo puede afectar tu rendimiento al hacer tareas de concentración como resolver exámenes o tomar decisiones, ya que se asocia con el peligro.

Azul: Es el color preferido por los hombres. Propicia la calma, la productividad y la serenidad, por lo que es el más usado en las oficinas. También es sinónimo de confianza y seguridad, por lo que es ideal para aseguradoras, bancos e instituciones financieras.

Colores secundarios y terciarios

Verde: Se asocia a la salud, a la tranquilidad, al dinero y a la naturaleza. Está comprobado que los trabajadores que laboran en un ambiente de este tono tienen menos dolores de estómago. Sin embargo, el efecto del verde depende mucho de su tonalidad; los tonos profundos evocan abundancia, mientras que los claro, calman.

Morado: Significa lealtad, bienestar, éxito y sabiduría. Ésta es la razón por la que reyes y otros líderes usan atuendos morados.

Rosa: Es un color que tranquiliza y evoca al amor. Los tonos oscuros se usan para expresar diversión, emoción, energía y juventud por lo que son perfectos para accesorios de niñas y mujeres; los rosas claros se asocian al romance. 

Blanco: Se relaciona a la pureza, a la inocencia y al vacío. Es ideal para usar en espacios pequeños ya que da una sensación de amplitud.

Café: Este color evoca a la tierra; a la confianza y la practicidad, pero también resulta algo aburrido y puede asociarse con suciedad.

Naranja: Este tono es sinónimo de entusiasmo, emoción, calidez y precaución. Por eso es usado para atraer la atención y provocar alegría.

PSICOLOGIA DEL COLOR

El color y las emociones

El color es sensorial e individual, subjetivo por tanto. La psicología clasifica sus

percepciones adjudicándole significados, y atendiendo a las funciones que en él se

aprecian, que, como dice J.C. Sanz, serían de adaptación y de oposición.

Las funciones de adaptación desarrollarían respuestas activas, vivaces, animadas e

intensas. Por el contrario, las funciones de oposición sugieren respuestas pasivas,

depresivas y débiles. Las de adaptación son estimulantes y excitantes; las de oposición,

sedantes y tranquilizadoras. Estas reacciones emocionales ante la percepción del color

serían las que contribuirán a darles sus significados primarios.

Se han realizado estudios sobre el simbolismo cromático en diferentes culturas,

sociedades y civilizaciones, y así mismo sobre su lectura e influencia en campos como

la religión, la ciencia, la ética, el trabajo, etc. El color influye sobre el ser humano, y

también la humanidad le ha conferido significados que trascienden de su propia

apariencia. Sus efectos son de carácter fisiológico y psicológico, pudiendo producir

impresiones y sensaciones de gran importancia, pues cada uno tiene una vibración

determinada en nuestra visión y por tanto en nuestra percepción.

El color es capaz de estimular o deprimir, puede crear alegría o tristeza. Así mismo,

determinados colores despiertan actitudes activas o por el contrario pasivas. Con colores

se favorecen sensaciones térmicas de frío o de calor, y también podemos tener

impresiones de orden o desorden.

Se identifica al color con lo masculino y con lo femenino, con lo natural y con lo

artificial, con lo romántico y con lo clásico, con la popularidad, la exclusividad y con la

colectividad.

El color, por tanto, no sólo es sensación, sino que básica y principalmente es emoción.

Sus atributos como significantes son apreciados no solamente por los artistas, sinó

también por publicistas, diseñadores, decoradores, científicos, educadores, políticos y

agentes sociales y laborales, etc.

Colores fríos y calientes. Sensaciones

Tanto los colores fríos como los calientes son denominados así en función de su

situación en el espectro electromagnético. Los de onda larga se corresponden con los

cálidos, y los fríos son los que proceden de ondas menores. Las sensaciones que el

observador percibe están relacionadas con su asociación con elementos que determinan

apreciaciones de tipo térmico. Así, los amarillos, rojos y los que corresponden a sus

familias recuerdan la idea del sol, calor y fuego; mientras los azules, verdes y muchos

violetas tienen similitudes con la frescura, la profundidad, la humedad, el agua y el

hielo.

Un color puede parecer frío o caliente según la proporción de otros que lleve en su

mezcla y también según los que tenga a su alrededor.

En cuanto a la primera afirmación, se puede decir que, por ejemplo, el verde al que

siempre nos hemos referido como el frío, puede igualmente ser considerado cálido si en

su composición predomina el amarillo frente al azul. Un verde-amarillo es cálido y un

verde azulado es frío. Esto puede extrapolarse a cualesquiera otros que provengan de

mezcla, incluso si hablamos de gamas consideradas en principio “acromáticas”. Por

definición se dice que los grises son fríos, pero si se les suma un cierto punto de azules

esa sensación se potencia, mientras que si se les da un matiz ligeramente amarillento se

apreciará como cálido.

Por otra parte, ya quedó dicho en otro lugar cómo un determinado color se ve

influenciado por sus vecinos, por lo que su temperatura también se ve afectada.

Los colores cálidos producen el efecto de expansión, por lo que son salientes cuando

contrastan con otros; avanzan hacia el observador. Por el contrario los fríos absorben la

luz, son entrantes y dan la impresión de alejamiento. Cuanto más rojo o amarillo es un

color más tiende a salir, más llama la atención; cuanto más azul es, más parece que

retrocede y se distancia.

Los colores cálidos también proporcionan la impresión de mayor tamaño, debido

precisamente a su efecto expansivo, mientras que los fríos dan lugar a que las

superficies se vean más pequeñas.

Cuando se pasa de tonalidades frías a cálida, la impresión que se produce es de apertura,

e incluso de alargamiento. Sin embargo cuando se da al contrario parece que las formas

se encogieran y se redujeran sobre sí mismas.

Los significados tanto de carácter psicológico como de orden simbólico que tienen, o se

le ha dado a los distintos colores, se verá a continuación. No obstante, las características

principales que las gamas fría y cálida tienen, hacen que los que correspondan a la

primera se relacionen con la tranquilidad, la calma, la pasividad, y, en general, con

conceptos de moderación y poco vitales, así como con el invierno y el frío. Sin

embargo, en los calientes se aprecian los efectos contrarios: vivacidad, movimiento,

alegría, excitación, energía, entusiasmo, y se les relaciona con el verano y el calor.

Significados, códigos y uso cultural de los colores

El lenguaje del color es conocido por artistas y profesionales de campos donde su

utilización es fundamental en la elaboración de sus productos, como el diseño, la

decoración, la publicidad, etc… Es un medio atractivo que, consciente o

subconscientemente actúa sobre el observador, por lo cual sus características son

explotadas por los mismos en sus trabajos.

Diferentes códigos visuales se basan precisamente en la adjudicación de un determinado

significado de cada color; así, en el tráfico el rojo simboliza peligro o prohibición; el

amarillo, precaución, y el verde es el utilizado para permitir la circulación (lo vemos en

los semáforos y también en las señales).

En la industria, los distintos colores simbolizan bien aparatos, conducciones o piezas de

maquinarias según a lo que corresponda cada cual. En topografía, los distintos signos

que se utilizan en planos y mapas han de estar coloreados también según un código

establecido que impida la confusión. Los arquitectos y ingenieros igualmente identifican

los trazados de esquemas eléctricos, de fontanería o gas, según determinados colores

cuya lectura ha de ser conocida por quienes han de realizarlos.

Las actividades donde hay un mayor componente subjetivo, creativo y/o artístico, se

basan también en los significados que tradicionalmente se le han dado a los colores con

carácter simbólico, así como en las propiedades psicológicas que se desprenden de su

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visión. Así, cuando las ideas a tratar versan sobre la naturaleza, por ejemplo en

publicidad, lo normal es recurrir a los colores verdes, azules, y, en general, a aquellos

que están relacionados con el medio ambiente, el aire puro, el agua, etc., mientras que si

tratan temas que tienen que ver con los niños se tiende a la utilización de colores puros,

saturados y llamativos.

En decoración, así como en el mundo laboral, en hospitales y en lugares destinados a la

sanidad y la enseñanza, la utilización de color tanto en aparatos, electrodomésticos,

máquinas, como en las estancias, puede llegar a influir tanto en el rendimiento de las

personas como en su estabilidad emocional.

En general los colores cálidos favorecerán actitudes alegres y vivaces, pero en absoluto

son recomendables en lugares donde se requieran concentración o se precise descanso.

Por eso las discotecas suelen estar decoradas con tonos brillantes y con estos matices,

pero en lugares de trabajo donde haya gran actividad la decoración con estas gamas

podría generar tensiones en y entre personas. Por otra parte son buenas en locales donde

se tenga sensación de frío, pues psicológicamente crea el efecto contrario.

Los colores fríos y los pálidos son aconsejables para máquinas con las que se está

mucho tiempo, porque suelen despertar indeferencia y no molestan visualmente. Así

también son acertados para decoraciones que busquen relajación y descanso. Deben de

evitarse sensaciones visuales molestas. Por otra parte, la acentuación de la frialdad

puede dar lugar también a ambientes depresivos.

En ambientes laborales, y en las normas que se aplican en la seguridad en el trabajo, el

amarillo significa atención; el naranja, alerta; el rojo, peligro; el violeta, energía; el

verde, paso libre, etc.

Los diferentes movimientos políticos han asignado a los colores correspondencias con

sus ideas; así los verdes son grupos ecologistas; los que enarbolan el rojo tienen ideas

socialistas o comunistas; el azul se relaciona con ideas conservadoras, etc.

El color, como se puede ver, tiene muchas lecturas dependiendo del contexto del que se

trate. No obstante, y para terminar este apartado, identificaremos al menos los más

importantes con significados más o menos aceptados con carácter general, así como con

tributos dados según diferentes campos sociales, culturales, religiosos o de otro tipo.

¿Cómo nace la fotografía a color?

La fotografía a color nació cuando el físico escocés, James Clerk Maxwell comenzó a investigar sobre la percepción del color por el ojo humano y la teoría del color. Durante el 1855, Maxwell teoriza que para obtener todos los colores era necesario tener tres semblantes principales los cuales eran rojo, verde y azul. Clerk propone para ese mismo año, que si se retrataba tres veces una misma escena fotográfica en blanco y negro pasándola por los tres filtros de los tintes principales, al proyectar las fotografías con el filtro empleado para tomar la foto, se podría obtener en la pantalla una reproducción de los colores de la escena. De esta manera, se obtendría la primera foto a color en la historia.

Primera fotografía a color

Para el 1861, Clerk Maxwell decide poner en práctica su teoría. El 17 de mayo de 1861, Maxwell junto a Thomas Sutton obtienen la primera fotografía a color. Pero durante el proceso para obtener esta primera fotografía a color, pudieron percatarse que la película utilizada sobre las placas para capturar las imágenes no eran sensible a todos los colores.

Al tomar las fotografías notaron que el material utilizado era sensible al color azul y un poco del verde, pero no al color rojo. Cuando tomaron el retrato con el filtro azul, lograron una foto perfecta en este pigmento, mientras que al tomar la foto con el filtro color verde, tuvieron que diluir la solución que utilizaron como filtro, para que a los pocos minutos se pudieran notar los tonos verdosos en la misma.

A la primera fotografía tomada por Maxwell y Sutton, se le atribuyó el nombre de Tartan Ribbon, y es la primera foto de color permanente.

A continuación, pueden ver el primer retrato a color en la historia de la fotografía.

La historia de la fotografía estudia todos los aspectos relacionados con las imágenes fotográficas, a través del tiempo: procedimientos, inventores, fabricantes, autores de las fotografías, visión artística y documental, progreso técnico y evolución estética, aplicaciones, comercialización y consumo de imágenes fotográficas, difusión en otros medios de comunicación, conservación en museos y colecciones. Y su análisis, clasificación e interpretación.

Ernst Haas (1921-1986) es reconocido como uno de los fotógrafos más célebres e influyentes del siglo 20 y considerado uno de los pioneros de la fotografía en color. Haas nació en Viena en 1921, y tomó la fotografía después de la guerra. Sus primeros trabajos sobre los prisioneros de guerra que regresan austriacos lo trajo a la atención de VIDA revista. Se negó una oferta de trabajo como fotógrafo de plantilla con el fin de mantener su independencia. Por invitación de Robert Capa, Haas se unió a Magnum en 1949, el desarrollo de asociaciones cercanas con Capa, Henri Cartier-Bresson, y Werner Bishof.

Haas se trasladó a Estados Unidos en 1951 y poco después, comenzó a experimentar con la película de color Kodachrome. Luego pasó a convertirse en el fotógrafo de primer color de los años 1950. En 1953 VIDA revista publicó su 24 páginas innovador ensayo de color foto en la ciudad de Nueva York. Esta fue la primera vez que una gran característica tan color de la foto fue publicada por la VIDA . En 1962 una retrospectiva de su obra fue la primera fotografía en color exposición celebrada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

A lo largo de su carrera, Haas viajó extensamente, fotografiando para VIDA , Vogue , y Mira , por nombrar algunos de muchas publicaciones influyentes. Fue el autor de cuatro libros durante su vida: La Creación (1971), en América (1975), en Alemania (1976), y del Himalaya Peregrinación (1978).

Ernst Haas recibió el premio Hasselblad en 1986, el año de su muerte. Haas ha seguido siendo objeto de exposiciones en museos y publicaciones como Ernst Haas, fotografía en color (1989), Ernst Haas en Blanco y Negro (1992), y la corrección de color (2011). El Ernst Haas estudio, situado en Nueva York, continúa manejando el legado de Haas, ayudando a los investigadores y la supervisión de todos los proyectos relacionados con su trabajo.     

Andy Warhol

(Andrew Warhola; Pittsburgh, EE UU, h. 1928-Nueva York, 1987) Artista plástico estadounidense. Hijo de emigrantes eslovacos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper´s Bazaar, Seventeen y The New Yorker.

Al mismo tiempo pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.

Dicha evolución alcanzó su cota máxima de despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.

El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convierte en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción. En otras ocasiones, plasmó crudamente situaciones reales, como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temática Electric chair es una de sus obras más significativas.

Este apropiacionismo, constante en los trabajos de los partidarios del pop art, se extendió a obras de arte de carácter universal y de autores como Rafael, De Chirico, Munch o Leonardo. Se caracterizan las obras de esta época por su libérrima manipulación y la polémica que suscitaron en su momento. Tanto por el uso del color, unas veces monocromo y otras fuertemente contrastado, pero en todo caso vivo y brillante, como por la temática, su obra resulta siempre provocadora y, a menudo, angustiosa. Mediante la reproducción masiva consiguió despojar a los fetiches mediáticos que empleaba de sus referentes habituales, para convertirlos en iconos estereotipados con mero sentido decorativo.

Otra faceta destacada de su obra es su potentísima fuerza visual, que en buena parte procede de sus conocimientos sobre los mecanismos del medio publicitario. En 1963 creó la Factory, taller en el que se reunieron en torno a él numerosos personajes de la cultura underground neoyorquina. La frivolidad y la extravagancia que marcaron su modo de vida establecieron a la postre una línea coherente entre obra y trayectoria vital; su peculiar aspecto, andrógino y permanentemente tocado con un rubio flequillo característico, acabó por definir un nuevo icono: el artista mismo.

De hecho, fue uno de los primeros creadores en explotar conscientemente su imagen con objetivos autopromocionales; de ese modo, y mediante un proceso de identificación, adquirió a los ojos del público significaciones propias de un producto publicitario más. En 1963, inició una carrera cinematográfica basada en los mismos principios que su obra plástica (como la reiteración visual), de fuerte contenido sexual y erótico: Empire, Kiss, Chelsea girls. En una última etapa retornó a un formato más tradicional y rodó The love y Women in revolt.

 Howard Schatz es un galardonado fotógrafo que ahora vive en la ciudad de Nueva York con su esposa y socia, Beverly Ornstein. Con más de 20 libros de fotografías en su haber, amplia obra artística de Schatz incluye estudios de bailarines (en su libro, Passion & Line), deportistas (de atleta, y su liberación en 2012, al de las peleas), el retrato (en Dotados Mujer , sin Hogar: Retratos de los estadounidenses en tiempos difíciles, criaturas raras: Retratos de modelos, el virtuoso y Seeing Red: El Rapto de Redheads), y un mundo de imágenes bajo el agua, diferente a todo lo visto (en la luz de la piscina, Waterdance y su liberación de H20).

Schatz es una  consumada  cumplidor - después de haber ganado casi todos los premios posibles en su campo. Seis fotografías de las series de la línea de la pasión y de Howard Schatz se incluyeron en la 41ª Exposición Anual Fundación World Press Foto, Eyewitness 1998 ", una exposición de las 200 mejores fotografías de 1997, seleccionados por un jurado independiente de más de 36.000 entradas.

Howard Schatz ha expuesto ampliamente en todo el mundo. Sus fotografías se incluyen en las colecciones permanentes de numerosos museos, entre ellos:

International Center of Photography, Nueva York;

Museo de Oakland, Oakland, CA;

Art University Museum, Universidad Estatal de California, Long Beach;

Musée de l'Elysée de Lausana, Suiza.

Además, sus fotografías han aparecido en innumerables revistas en todo el mundo, incluyendo una serie de funcionamiento en Vanity Fair, junto con las portadas de Time, Sports Illustrated, US News and World Report, GQ Italia, por nombrar algunos. Las imágenes de Schatz se gira a para los lanzamientos editoriales consistentemente como se ha visto anteriormente en Vogue, Vogue Italia, GQ Italia, The New York Times Magazine, The New Yorker, Stern, VIDA, Negro / Blanco, American Photo, Foto Francia, Foto Italia y vaniety Feria . Howard ha compartido su visión con los principales programas de televisión estadounidenses y europeos, entre ellos el Today Show y Good Morning America, así como con fuentes como NPR, Fox Sports Network y Discovery Channel.

El 5 de octubre de 2007 GALERÍA M otra vez fue la primera galería de fotografía artística internacional para liberar las obras de extrodinary Schatz de H2O. H2O toma sus temas bajo el agua a un nivel "más profundo" de explorar más a fondo sus propias técnicas submarinas.

Para entender por qué Howard es un fotógrafo tales considerado, Galería H sentó con Howard para una serie de vídeo de 3 partes en 2007. La primera parte está disponible en línea . Las características adicionales se encuentran en la GALERÍA M Centro de video . Fotografías de la serie están ahora disponibles para su adquisición.

Poco antes de la liberación de H20, Schatz comenzó un viaje de 6 años de documentar el de de y está fuera del mundo del boxeo.

El 13 de noviembre de 2012, sus fotografías estén disponibles en su 19 libro - En las peleas: Dentro del mundo del boxeo ". 

Para alguien entrenado originalmente como un médico, Schatz dice que era muy "difícil" de entender inicialmente por qué alguien podría tirar su cuerpo en forma de daños: "... un golpe en la cabeza puede causar daños irreversibles en el nivel celular." De luminarias como Ali al aumento de estrellas Yuri Foreman, Joseph Agbeko , Andre Berto y otros, Schatz ha entregado una obra poética atípica para el deporte, pero excepcional para un fotógrafo artístico.

Howard Schatz publicaciones y edición limitada, obras de época siguen siendo pertinentes. El 15 de julio de 2016, la contribución a la historia del deporte Schatz y la fotografía se reconoce, además, con la apertura de la del Museo de Arte de Brooklyn exposición de fotografía: Who Shot Deportes: Una historia fotográfica de 1843 - Presente.   Fue uno de sólo 170 fotógrafos internacionales honrados con su inclusión.

Ouka Leele

(Bárbara Allende Gil de Biedma; Madrid, 1957) Fotógrafa española. Su primera vocación fue la pintura, y de hecho cursó Bellas Artes, aunque abandonó la carrera para iniciar estudios de piano, al tiempo que acudía al Photocentro de Madrid para aprender fotografía. Tras publicar sus primeros trabajos en un libro llamado Principio, comenzó a exponer en 1978. Sus fotos eran habitualmente en blanco y negro (odiaba las fotos en color), y al serle encargada una fotografía en color para una portada, decidió inventar ella misma el color de la imagen. Fue así como empezó a colorear sus instantáneas, aunando su vocación de pintora con la fotografía.

El beso (1980), de Ouka Leele

Su carrera continuó con exposiciones en España, Europa, Estados Unidos y Japón, sin olvidar el trabajo puramente personal; destacan, entre ellas, su participación en la Bienal de Arte Contemporáneo de Sao Paulo (Brasil) y su primera exposición retrospectiva en el Museo Español de Arte Contemporáneo (Madrid), ambas en 1987. Excepto en contadas ocasiones, en la obra de Ouka Leele no hay fotomontajes: lo que aparece en la fotografía se prepara antes de la instantánea, en lo que, para la autora, es el momento más interesante de la creación, por el hecho de crear un mundo irreal.

Sus primeras obras se distinguen por la combinación de elementos pop y neodadaístas con una gama de colores ácidos e intensos; posteriormente evolucionó hacia composiciones más ricas, basadas en la tradición barroca y en la utilización de colores más calmados, para volver con colores eléctricos a finales de la década de 1990. Autora de diversos libros en los que combina sus imágenes con sus propias poesías, Ouka Leele se ha dedicado también al diseño de objetos.

                           

1. HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA.

A principios del siglo XI, el árabe Ibn al-Haitham estudió los eclipses de sol y la luna, haciendo pasar a través de un pequeño agujero los rayos emitidos por el sol y reflejados por la luna. Estos rayos se proyectaban en la pared opuesta de una habitación oscura, llamada Cámara Oscura.

Más tarde se descubrió que poniendo en el agujero una lente de una distancia focal apropiada se obtenía una imagen más nítida. Partiendo de este principio, en los siglos XVII y XVIII empezaron a utilizarse como instrumentos de dibujo para reproducir edificios, campos, etc., cámaras que consistían en tiendas de campaña.

Este instrumento de reproducción existía ya cuando se inició la técnica de conservar la imagen de la cámara oscura, mediante el efecto producido, sobre las sales de plata, por los rayos luminosos. En 1839, el francés Daguerre lanzó un método práctico: empleó placas de cobre recubiertas con yoduro de plata y expuestas en cámaras de madera.

Para que la imagen del daguerrotipo aparezca visible, tiene que ser observada bajo cierto ángulo con respecto a la luz. Se obtuvieron imágenes más perfectas aplicando el yoduro de plata sobre papel y posteriormente sobre placas de vidrio. No obstante las fotografías tenían que ser preparadas y reveladas inmediatamente después de la exposición, de manera que el fotógrafo de campaña debía llevar una tienda y una gran cantidad de productos químicos.

Un gran avance en la técnica se obtuvo cuando se mezclaron las sales de plata en una capa resistente de gelatina. El americano George Eastman Kodak lanzó un nuevo método consistente en aplicar la capa sensible sobre una cinta flexible de celuloide, de manera que los negativos podían almacenarse en rollos. A partir de entonces el fotógrafo dejaba el laboratorio en casa, y el equipo resultó más sencillo.

A principios del siglo XX, los aficionados pudieron adquirir las cámaras del tipo de caja y de fuelle. Después de estas primeras cámaras, la industria fotográfica ha desarrollado las cámaras del tipo de película de 35 mm y la cámara reflex.

Los aparatos fotográficos modernos están provistos de objetivos cambiables para poder emplear diferentes distancias focales. No obstante, las fotografías de estudio se toman aún siguiendo el antiguo principio de la cámara de fuelle.

Las fotografías solo podían hacerse en una escala de tonos, o sea blanco y negro, pero ya en 1861 se conocían los principios fundamentales de la fotografía en color. Lumiére introdujo ya, en 1907, las primeras placas fotográficas para obtener fotografías en colores, aunque la verdadera fotografía en color no se divulgó hasta 1935, cuando Kodak y Agfa empezaron a vender sus películas con emulsión de tres capas.

El problema del revelado inmediato ha sido resuelto en la actualidad, por ejemplo, con las cámaras Polaroid, en las cuales una pasta reveladora es introducida entre la película y el papel, cuando el rollo aún se encuentra en la cámara.